Arqueología - Vitoria-Gasteiz.



 

EL ENCANTO DE LAS PEQUEÑAS COSAS, VALORES ESCULTÓRICOS EN JOYERÍA.

TESIS DOCTORAL.

UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID.

Ana Arias Roldán.

Director: José Luis Parés Parra.

Madrid, 2009. MEMORIA PARA OPTAR AL GRADO DE DOCTOR.

ISBN: 978-84-692-7191-9.

VALORES ESCULTÓRICOS EN JOYERÍA, EL ENCANTO DE LAS PEQUEÑAS COSAS.

Consciente del malestar que provoca en el ciudadano el trepidante ritmo impuesto por la sociedad actual, concentra sus energías en la creación de espacios a través de cuyo recorrido o contemplación seamos capaces de ralentizar en la medida de lo posible nuestro acelerado paso.

 

[29] "Instalación para el Alvar Aalto Symposium", 1994. Acero galvanizado, madera. Jyvaskyla, Finlandia. Mary Miss.

 

 

 

[30] Plataforma mirador; forma parte de la "Instalación para el Alvar Aalto Symposium" Madera. Mary Miss.

En este caso (fig.29-30), la artista interviene en el paraje con la instalación de siete canales, cada uno asociado a un árbol determinado, en cuya agua remansada se reflejan pequeños trozos de la naturaleza circundante. Para favorecer su observación y disfrute, Mary Miss incluye una pequeña plataforma mirador con asiento donde el caminante puede hacer una pausa, descansar y observar el conjunto de una intervención en la que se compenetran los géneros escultórico, arquitectónico y paisajístico.

A través del proyecto que mostramos a continuación, realizado por la artista en estrecha colaboración con arquitectos, Mary Miss brinda a los enfermos del hospital de Seattle la posibilidad de experimentar directamente el lugar mediante su recorrido; en él "los pacientes pueden contemplar y detener la mirada en un espacio intermedio, quizá la antesala a otro más trascendental" ( 8 ) 


( 8 ) Mc Grath, Dorothy. El arte del paisaje. p.137


 

 

[31] Vista aérea del "University Hospital Projet", 1990. Seattle Mary Miss.

Resulta llamativo el hecho de que muchas de las propuestas utilitarias de estos artistas de arte público van más allá de lo puramente escultórico; lo trascienden e incurren en otros terrenos, por ejemplo, en el arquitectónico: son creadas para lugares específicos por lo que tienen en cuenta el contexto; desempeñan utilidades concretas; los materiales empleados son los mismos o muy parecidos; las formas y las escalas coinciden...

Es evidente que el lenguaje escultórico se expande, que los escultores han ampliado su visión y transgredido los límites tradicionalmente establecidos para el género escultórico y hoy crean obra en ocasiones muy próxima a la arquitectura. Ello nos lleva a preguntarnos si el interés es recíproco: ¿se manifiesta entre los arquitectos una actitud de acercamiento a lo escultórico? 

La respuesta nos llega con un nombre propio: Frank Gehry.

La atracción que este arquitecto genial siente por el mundo del arte le lleva a tenerlo siempre presente, a considerarlo como fuente de inspiración y a establecer, a lo largo de su trayectoria profesional, contacto y amistad personal con diversos escultores y pintores, un estímulo que sin duda le ayuda a desarrollar ese lenguaje escultórico que le caracteriza. "Yo siempre pienso con un ojo puesto en el arte. Creo que las personas que aplican su intelecto visual al arte, desde el antiguo hasta el contemporáneo, no toman las mismas decisiones que quienes no lo hacen así" ( 9 )


( 9 ) Colomina, Beatriz. "Una conversación con Frank Gehry". Frank Gehry 1987-2003. p.18


 

Ya en el año 1975, en colaboración con el escultor Claes Oldenburg, inicia el proyecto de la sede de la agencia de publicidad Chiat/Day/Mojo, dándole al edificio central la forma de unos prismáticos.

 

 

[32] Sede de la agencia de publicidad Chiat/Day/Mojo, 1975/1989/1991 Venice, California. Estados Unidos. Frank Gehry/ Claes Oldenburg.

Sendos autores se dejan influir por la corriente surrealista imperante del momento y, en el caso de Oldenburg, aplicando en su proyecto tácticas que le son propias -como la descontextualización de los objetos de uso cotidiano o la alteración de la escala- obteniendo un edificio que es un híbrido entre la escultura y la arquitectura: estos gigantescos binoculares poseen en su cima claraboyas que permiten pasar la luz y sirven de acceso al aparcamiento, además de albergar en su interior salas para reuniones privadas y para trabajos de investigación publicitaria.

A lo largo de su trayectoria artístico-arquitectónica, Gehry insiste en la inclusión de elementos figurativos dentro del paisaje urbano; la mayor parte de dichas estructuras son habitables, como el restaurante Fish Dance, o el gran salón de actos conocido como "Cabeza de caballo" situado en el atrio interior del Edificio DZ Bank.

 

 

[33] Restaurante Fish Dance,1986-1987. Kobe, Japón. Frank Gehry.

 


 

[34] Atrio y Salón de actos "Cabeza de caballo", edificio DZ Bank, 1995-2001, Berlín. Frank Gehry.

Tenemos constancia de las influencias artísticas concretas recibidas por Gehry y que derivan en la creación de este gran caparazón escultórico con clara forma de cabeza de caballo si es visto desde una posición semi-frontal; por un lado, la imagen de la fuente y la tumba de piedra talladas por el escultor del siglo XIV Claes Sluter en Dijon para Felipe el Atrevido: Michael Webb nos cuenta que "Gehry se quedó atónito por la sensación de movimiento y emoción que experimentó ante las colgaduras plegadas, y aún más por las figuras plañideras de la tumba" ( 10 ) (fig.35); otro estímulo importante para la generación de dicha cabeza fueron las extraordinarias cerámicas de George E. Ohr (fig.37).


( 10 ) Webb, Michael. "Gehry sigue en la brecha". Frank Gery 1987-2003. p.36



 

        

[35] "Monjes dolientes", perteneciente a la tumba de Felipe el Atrevido, Museo de Bellas Artes de Dijon, Claus Sluter. Y [36] Cabeza de "Monje doliente" Detalle de dicha tumba Claus Sluter.

 

 

 

 

[37] "Vaso de terracota vidriada"  George E. Orh.

Tanto los paños de mármol, como la cerámica y la sala "Cabeza de caballo" expresan movimiento, transmiten la sensación de ser una forma blanda y dinámica, siendo en realidad materiales sumamente duros y rígidos. Frank Gehry, como un escultor, investiga sobre esta sensación, busca la forma y el movimiento; muchos de sus edificios son testimonio de ello:

 

 

[38] Marquesina para parada de autobús, 1993. Hannover, Alemania Frank Gehry.

 

 

 

 

[39] Vista sureste del Centro de Artes. Escénicas Richard B. Fisher, 1997-2003.. Annandale-on-Hudson, Nueva York. Frank Gehry.

La visión del techo de esta marquesina (fig.38) puede evocar en nuestro pensamiento la imagen de las alas expandidas en pleno vuelo de una gran águila; por su parte, el tejado y las paredes de este edificio (fig.39) se asemejan enormemente a un grupo de hojas de papel plegadas y combadas, u onduladas por la acción de la humedad, y que son depositadas después suavemente sobre la casa.

Pero Frank Gehry también cuenta en su haber con esculturas propiamente dichas: con la misma forma de la sala "Cabeza de caballo" se realiza una pequeña serie -con unas medidas aproximadas de un metro y medio de largo y uno de ancho- de fibra de vidrio con textura y colores variados para la galería de arte Gemini de lo Ángeles; o la monumental estructura con forma de pez realizada para la Villa Olímpica de Barcelona; o esculturas que ubica en alguno de sus edificios, en este caso surgiendo del techo de una sala de reunión, como vemos en la imagen inferior.

 

 

 

[40] Maqueta de "Cabeza de caballo" del edificio DZ Bank. Frank Gehry.

 

 

 

 

[41] "Pez" Escultura monumental en la Villa Olímpica, 1989-1992 Barcelona Frank Gehry.

 

 

 

[42] Sala de reunión en la Sede Central de Vitra, 1988-1994 Suiza Frank Gehry.

Cuando los críticos hablan de la arquitectura de Gehry, se refieren a ésta con términos propios de la escultura o vinculados a ella, por ejemplo: "escultural lucernario", "composición escultórica", "objetos que establecen entre sí un juego espacial y escultural", "formas escultóricas que ofrecen multiplicidad de vistas y ángulos", "volúmenes dislocados", "piel metálica", etc.

Sospechamos que cualquier profesor de modelado que haya impartido clase en la modalidad de Bachillerato Artístico, ante la visión de algunas construcciones de Gehry, no puede por menos que asociarlas a las formas obtenidas por estos alumnos con los ejercicios sobre las posibilidades de deconstrucción de un volumen, que se enuncian así: <<A partir de un bloque prismático de arcilla tierna, investigamos la creación de nuevas formas por descomposición de dicha masa compacta>>, esto es, practicamos cortes, desplazamos segmentos, sobre determinados volúmenes aplicamos estiramientos, secciones o torsiones, creamos  suspensiones, intersecciones de planos etc., lo que da lugar a nuevas formas, nuevos ángulos, nuevas vistas, huecos, espacios, entrantes y salientes, nuevas luces y sombras..., y siempre observando las renovadas relaciones que se establecen entre los planos.

Por su parte, el público que visita el Museo Guggenheim de Bilbao experimenta la vivencia de contemplar arte antes de entrar en el interior del recinto para ver las exposiciones permanentes o temporales que alberga, porque el edificio mismo es una gran escultura.

 

 

[43] Museo Guggenheim Bilbao, 1991-1997. Bilbao.Frank Gehry.

Cuando un escultor mira una obra de Gehry descubre en ella el rasgo que caracteriza su trabajo y que le acerca al terreno escultórico: la experimentación. Él mismo declara: 

"Cuando los artistas y escultores que yo conozco trabajan, hay una cierta idea de juego. Se intentan cosas; se experimenta... Es como lanzar cosas y después perseguir las ideas, más que predecir dónde vas a ir" ( 11 )


( 11 ) Lavin, Irving. "Decantarse por el Barroco". Frank Gery 1987-2003. p. 56


 

Buena prueba de su creatividad y su afán experimental lo podemos también apreciar en la multitud de maquetas que se elaboran en su estudio a partir de sus primeros bocetos gráficos. Inclinado sobre ellas, Gehry toquetea piezas de cartulina y papel de plata, cambia de sitio los elementos, prueba las ideas más libres, descarta unidades y añade otras nuevas...obteniendo como fruto la forma artística; en el proyecto conocido como Residencia Lewis -encargado por el multimillonario Peter Lewis, carente de límite presupuestario y de un programa determinado- Gehry investiga, sufre y disfruta durante más de seis años. Las maquetas que mostramos a continuación son sólo una pequeña muestra de las muchas realizadas en este laboratorio artístico.

 

 

 

 

 

 

[44] Maquetas preliminares para la "Residencia Lewis" Octubre 1993/ Mayo 1994/ Febrero 1995. Frank Gehry.

Frank Gehry experimenta con materiales como la malla metálica, la chapa corrugada o el cartón ondulado, explorando sus posibilidades y manejándolos de manera poco convencional; después aplica estos materiales tan comunes a la arquitectura, la escultura o el mobiliario. 

"...Ellos utilizaban materiales de desecho para hacer arte, así que intenté experimentar esta misma idea en arquitectura" ( 12 )


( 12 ) Colomina, Beatriz. "Una conversación con Frank Gehry". Frank Gery 1987-2003. p. 21


 

La idea de trasladar el entramado de los cestos a otro objeto, le conduce al diseño de asientos a base de bandas laminadas de madera de arce, y el hecho de experimentar con papel y cartón ondulado es lo que le lleva al diseño de distintos muebles -sillas, mesas o tumbonas-.

 

 

[45] Piezas de mobiliario, 2002. Guggenheim Museum Exhibition, Bilbao Frank Gehry.

En los últimos años ha diseñado varios relojes, una botella de vodka, lámparas de papel y joyas. En el año 2002 la empresa Tiffany's propone al arquitecto su colaboración para la realización de una nueva colección de joyería. Durante más de tres años, Gehry se reúne cada seis meses con Jon King -vicepresidente de Tiffany's- y con un equipo de nueve diseñadores de joyas; la imagen que mostramos a continuación (fig.46) es una muestra de algunos de los frutos obtenidos y presentados al público en el mes de abril del año 2006.

 

 

 

[46] Colgantes, 2006. Plata, madera de acacia y ébano, oro y diamantes. Frank Gehry.

La figura esquemática del pez que podemos observar en los colgantes de la derecha, aparece en su obra repetidamente, aplicado a distintas disciplinas: la hemos visto como elemento suspendido en una sala de reuniones de un edificio diseñado por él mismo (fig.42), y como escultura monumental en la Villa Olímpica de Barcelona (fig.41); ahora la descubrimos también como futuro habitáculo de una sala de música (fig. 47); en un rincón de su estudio como maquetas de materiales y tamaños diversos (fig.48); y como joya: pequeños colgantes, gargantillas o collares generados por la repetición de dicho módulo (fig.49).

 

 

[47] Interior de la sala de música, 1995. Maqueta preliminar de la Casa Lewis. Frank Gehry.

 

 

 

[48] Maquetas de distintos materiales.

 

 

 

 

[49] Gargantilla, 2006 Madera y plata. Frank Gehry.

Para Gehry, el hecho de colaborar con la mítica empresa de joyería supone una nueva oportunidad de experimentar con materiales nuevos, de descubrir las peculiaridades del formato mínimo, de sumergirse en el juego creativo del que surgirán nuevas formas y nuevas ideas, que con el tiempo, sin duda revestirá sobre la arquitectura.

"Cuando consiguen la malla realmente fina, fina, fina que parece tela pero es plata de ley, me pongo realmente excitado" ( 13 )


( 13 ) Halbe, Roland. "Incredible shrinking genius". VOGUE USA. p.382



Ante algunos edificios de este arquitecto sentimos sensaciones semejantes a las que nos puede provocar una obra escultórica, porque podemos mirarla y disfrutarla como si de un objeto escultórico se tratara: la pieza en su contexto, su volumen, el encuentro de bloques o de masa, la disparidad de ángulos que surgen entre estos planos, las ondulaciones, los huecos, las luces y las sombras, las formas expansivas, la piel o la textura, el color...pero además, podemos penetrar en estos inmensos volúmenes y constatar físicamente los espacios interiores de estas esculturas habitables.

 

 

 

[50] Edificio Nationale-Nederlanden, 1992-1996. Praga, República Checa. Frank Gehry.

Esta sensación es la que nos permite sumarnos a la opinión que define la aportación de este revolucionario arquitecto como <<arquitectura de autor>>, y la reconoce como obra artística y genial. Actualmente hay más gente en el mundo de la arquitectura que se está cuestionando los presupuestos del método arquitectónico, y con ello se abren nuevos horizontes para esta materia. El escultor británico Anthony Caro comparte esta opinión:

"...es algo que ocurre ya en el presente: véanse si no los pabellones de la Serpentine Gallery, donde un arquitecto actúa como un escultor, haciendo un edificio que no tiene una función específica".( 14 )


( 14 ) Caro, Anthony. Anthony Caro Dibujando en el espacio Esculturas de 1963 a 1988. El Juicio Final, 1995-1999. p.38


 

O los codiciados <<pedacitos de cielo>> del artista James Turrel, unos volúmenes escultóricos/arquitectónicos que formalmente nos remiten a la escultura minimalista: se trata de construcciones cúbicas de más de siete metros de altura y una abertura en el techo que permite a la persona que está dentro, contemplar un trozo de cielo, trasmitiéndole a su vez la ilusión algo mágica de que el firmamento está al alcance.

 

 

 

[51] "Segundo encuentro", 1989. Jardín de Cliff y Mandy Einstein, Los Ángeles. James Turrel.

 

 

 

[52] Vista desde el interior de "Segundo encuentro" James Turrel.

Ante este tipo de creaciones, una vez más nos cuestionamos sobre la identidad de la obra: ¿se trata de arquitectura, escultura de grandes dimensiones, escultura ambiental...? O ¿dónde termina la intervención artística y dónde empieza la arquitectónica?

Desde finales del siglo XX y durante el XXI, proliferan las intervenciones de creadores que resultan difíciles de clasificar ya que en ellas podemos diferenciar distintos géneros artísticos, o sencillamente porque son maneras nuevas de crear; en ocasiones la acción artística se integra en la rutina cotidiana de la gente -a veces sin que el mismo público sea consciente de que está participando o protagonizando una intervención artística- con el objetivo concreto de prestar un servicio a la sociedad. 

Sirva de ejemplo la reciente intervención pública temporal desarrollada por el artista malagueño Rogelio López Cuenca en Adra, un pequeño pueblo almeriense. Con ella alerta a sus convecinos sobre el enmascarado control político que ejerce la publicidad sobre la sociedad, además de sumarse con este trabajo a la campaña que realiza en ese momento la Asociación Pro-derechos Humanos de Andalucía bajo el lema "Ningún ser humano es ilegal": entre otras actividades, el taller compuesto por estudiantes y trabajadores de Adra -"en ningún caso compuesto por artistas profesionales" ( 15 )- fabrica, edita y reparte por los establecimientos, una colección de tarjetas postales en las que las idílicas imágenes marinas típicas de pueblecito pesquero muestran a su vez, y sin reservas, la otra cara de la moneda: el tema de la inmigración, que es otra de las realidades que vive dicha costa como receptora de inmigrantes y que no
se muestra en las tarjetas postales turísticas.


( 15 ) López Cuenca, Rogelio. "Hablando de Malagana". En: Fernández Blanca; et. al. Jornadas sobre la identidad de una Ciudad. Actas. p.151


 

De todo ello se desprende que vive en el panorama artístico el deseo de que se reconozca la ampliación de los terrenos tradicionalmente establecidos para la creación. De la misma manera que hoy es asumido por todos el hecho de que el valor de una obra es independiente del tipo de material utilizado, estamos viendo como, poco a poco, comienza a asimilarse que dicho valor también es independiente del tipo de disciplina en el que aparezca, los géneros empiezan a ser cuestionados o ignorados, y se olvidan las clasificaciones y las categorizaciones artísticas.

Creemos que la disparidad en cuanto a la manera de hacer arte no hace más que refrescar e intensificar el panorama artístico, y que en este mundo caben tantas formas de hacer arte como artistas haya, independientemente de que éstos se expresen a través de escultura mobiliaria, arte público, instalaciones, escultura arquitectónica, arquitectura escultórica, intervenciones públicas, escultura, arquitectura o joyería.

Es el arte de nuestro tiempo.

En lo que se refiere a la evolución de la joyería, si rompe moldes a lo largo del siglo XX y su lenguaje también se expande, pudiendo llegar a contemplarse en el siglo XXI como <<suceso artístico>>, son cuestiones que vamos a ir tratando en los siguientes capítulos.